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Cuadros y esculturas, los apuntes de una historia del arte nacional

CARLOS ALONSO. "Amanecer argentino".

Se inauguró ayer la muestra Bicentenario, arte argentino en la provincia, con 130 obras de los más importantes artistas del país, en el Teatro Argentino de La Plata.

Por: Marina Navarro

En el principio está El Pescador, ese hombre trabajando en las orillas que Prilidiano Pueyrredón pintó a mediados del Siglo XIX. Al final, Aquí no pasó nada, saturado y tan oscuro que parece querer tapar lo evidente, una pintura de Luis Felipe Noé, que alude a la última dictadura.

En el medio, ordenadas cronológicamente en tres salas, 130 obras de los artistas plásticos nacionales más importantes, organizadas como una placentera lección de historia del arte argentino, en la que sólo es necesario recorrer la exhibición para aprender. De eso se trata la muestra Bicentenario. Arte Argentino en la provincia, que se inauguró ayer en el Teatro Argentino de la Plata, una iniciativa del Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires, con la dirección de Rubén Betbeder, director del Museo Provincial de Bellas Artes.

Al principio, entonces, obras del siglo XIX: escenas cotidianas y retratos de la época. Además de El Pescador de Prilidiano Pueyrredón, se destaca El torso, de Eduardo Sívori, la figura de un hombre de espaldas.

A comienzos del siglo XX, se notan la influencia europea y la marca de la vanguardia de los años 40. Hay exponentes del impresionismo como Martín Malharro, que juega con la luz en sus pinturas, y artistas fuertemente influenciados por el cubismo como Xul Solar o Emilio Pettoruti. Resalta la novedad que ofrece Quinquela Martín al pintar la vida portuaria de La Boca.

En la planta baja del Teatro Argentino, una escena atrapa: cuatro retratos de mujeres. Cada una es inconfundible por el sello personal de cada pintor. El retrato de Berni, con los ojos enormes y la figura gruesa que caracterizan su representación del ser humano, los rasgos tenues y esfumados con que pintó Raúl Soldi a una mujer amamantando, la obra de Lino Spilimbergo, de colores vivos y trazos definidos, y los rasgos finos y delicados de Enrique Larragaña en otro de los retratos.

A partir de la segunda mitad del siglo XX, empiezan a mezclarse los colores, las formas y las dimensiones. Los 60 emergen con fuerza. Destaca una escultura en madera, a escala humana, de Roberto Aizenberg que caracteriza a la mujer de la época dividiéndola en dos planos. En la parte inferior, las piernas desnudas y tacos, y en la superior una suerte de caja de música a la que cualquiera puede darle cuerda, como a una cosa.

El contraste con el final de siglo es fuerte. La explosión de colores de los 60 queda atrás y dominan los colores y los temas oscuros. Es que la dictadura dejó su impronta de horror también en el arte, como se puede ver en Amanecer argentino de Carlos Alonso.

Carlos Morel, José León Palliere, Rogelio Yrurtia, Pío Collivadino, Fernando Fader, Lucio Fontana, Raúl Lozza, Pérez Celis y Luis Tomasello son otros de los grandes cuyas obras están presentes en la muestra. La cita es en el Teatro Argentino de La Plata, Avenida 51 entre 9 y 10, hasta el 30 de junio. Con entrada gratis.

Fuente: Revista Ñ

Roy Lichtenstein: El verdadero padre del pop

Roy Lichtenstein

El arte contemporáneo tiene un antes y un después a partir de su obra, puede verse una inmensa retrospectiva en la Triennale di Milano. Se trata de Motiviations of art. En cuanto a la exhibición , la ciudad ya la llama la muestra del año.

Por Cristina Civale

Es mi artista favorito. Soy tan fanática de él como podría serlo de Billie Holliday o Nina Simone. No tengo dinero para comprarme una de sus obras, muchas de ellas ya fuera del mercado y pertenecientes a colecciones privadas o de importantes museos. Soy tan fan que hace años me hice pintar un biombo con su obra We Rose up slowly, donde una pareja está a punto de besarse, en un gesto blanco hollywodiano. A Lichtenstein no le hubiese importado nada esta copia casi perfecta que hizo el artista Gastón Parson, quien murió muy joven en el atentado de la AMIA.

Guardo ese biombo como un homenaje también a mi joven amigo asesinado. La obra tiene un poema que dice: “Nos levantamos lentamente, como si no perteneciésemos ya al mundo exterior, como nadadores en un sueño sombrío… no necesitamos respirar…” Y no le hubiese importado nada porque la copia es para él la esencia del arte.

Así es, el arte contemporáneo tiene un antes y un después luego de la obra de Roy Lichtenstein (Nue-va York 1927-1997), del cual puede verse una inmensa retrospectiva en la Triennale di Mi-lano. Se trata de Motiviations of art y puede visitarse hasta finales de mayo. Su trabajo forma parte de una tradición que se inscribió en la historia del arte y que dio lugar al posmodernismo. Lichtenstein fue el primer artista, mucho antes que Andy Warhol, que desarrolló una teoría estética que proponía transformar una copia en una obra original.

Empleaba imágenes tomadas de revistas y libros a través de una técnica de impresión tipográfica ya que pretendía que su trabajo tuviese el aspecto de una obra anónima. Al principio, copiaba, con pequeños pero significativos cambios, reproducciones de trabajos tomadas de fuentes impresas, las proyectaba en una pantalla gigante sin ninguna clase de claroscuro y así las pintaba.

Lo de la huella anónima no lo consiguió. Es imposible no reconocer inmediatamente una obra suya. Su fascinación por el comic lo delata, sus rostros siempre iguales pero cada vez ligeramente distintos, jóvenes y de proporciones clásicas, una paleta de colores clavada en el amarillo, el rojo, negro, blanco y el azul y sus trazos planos hacen de todo ese corpus un sello inconfundible y único.

Pinturas, dibujos, collages y esculturas y más cien obras de gran tamaño invaden el edificio de la Triennale di Milano en Viale Alemagna 6 bajo la exquisita curaduría de Gianni Mecurio, también responsable de las retrospectivas recientes de grandes artistas contemporáneos como Basquat y Warhol, parientes en su concepción del arte de Roy Lichtenstein.

Nuevamente, Mercurio hace una investigación exhaustiva y convierte a la muestra en un viaje tan inolvidable como exquisito.

“Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente –dijo una vez Roy- mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo”.

Sus primeros trabajo fueron de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas, mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Lejano Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Reming-ton.

A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Sus historietas de cómics, como Good Morning, darling, son am-pliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos, constituyendo así parte del ADN de su creación.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.

También sus esculturas recrean los efectos de los cómics.

En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por casi todo el mundo y fue la primera vez que su obra cruzó el océano.

En cuanto a la exhibición de Milán, la ciudad ya la llama la muestra del año, es la primera de estas proporciones que se realiza del artista neoyorquino, sinónimo de arte pop.

La exposición, dividida en cinco recorridos temáticos, propone descubrir las facetas menos conocidas del artista. Empezando con sus creaciones de los años 50, época durante la cual revisita y reinterpreta pinturas medievales de varios artistas, de William Ranney hasta Paul Klee y Pablo Picasso, abriendo las puertas a la abstracción en Europa.

Otras obras mezclan figuras que van desde el arte moderno europeo a la historia y la cultura de los indios de América y del Wild West con cowboys y conquistadores. Es durante la década de los años 60 que Lichtenstein define su estilo y su expresión plástica. Empezó a inspirarse en las obras de tales maestros del arte como Matisse, Cézanne, Mondrian, y Dali.

Meditations of art propone volver a recorrer la evolución artística de uno de los padres del Pop Art, una manera fascinante de viajar a través de los mayores movimientos de la vanguardia europea –Cubismo, Expresionismo, Futurismo, Mininalismo- y de admirar el arte popular.

Hay quienes se preguntan qué tiene de talentoso representar personajes de comics o paisajes con puntitos, líneas negras anchas y colores primarios –parecidos a esos que se encuentran en libros infantiles para rellenar- en tamaño grande. Para entender la postura de este artista, nada más directo que pensar en Warhol y en sus dichos sobre la obra de arte en la época de su reproducibilidad.

“El arte es vida, consumo, reproducción en serie y sobre todo, debe ser popular, es decir debe estar al alcance de todos”. Si bien no lo está por cuestiones de mercado, sí lo está desde su comprensión. Para apreciar y entender estas obras no hace falta una manual, una Biblia o un texto sesudo sobre historia del arte o sobre nada en particular. Sólo hay que pararse frente a ella y admirar su belleza simple. Es lo que hago cada día con mi biombo y cada mañana se lo agradezco a Roy.

Fuente: Asterisco

Exposición de pintura y escultura

Si bien constituyen su principal escenario, no sólo los órdenes político y social gestaron las revoluciones que derivarían en la declaración de la Independencia, y por ende no son los únicos desde los que se puede analizar y homenajear a los procesos por los que pasó nuestra Nación.

El del arte, por ejemplo, también ha sido un contexto importante en la historia del territorio que habitamos, incluso, obviamente, desde mucho antes de la llegada de los españoles.

Para repasar los estilos, temas y técnicas de la plástica que han marcado cada época, a través de los artistas que los encabezaron, esta semana quedó inaugurada la muestra Bicentenario, arte argentino en la provincia, en el Teatro Argentino de La Plata. Una exposición integrada por obras que forman parte de importantes colecciones locales.

El acto inaugural fue el miércoles último al mediodía, y contó con la presencia del presidente del Instituto Cultural de la Provincia, Juan Carlos D’Amico. Con muchos presentes, quedó abierta la muestra, que abarca varias salas del teatro, y que se podrá visitar, de manera gratuita, hasta el 30 de junio de martes a viernes, de 10 a 20 y sábados y domingos, de 14 a 20.

Entre las obras que pueden verse hay pinturas y esculturas de Carlos Morel, Prilidiano Pueyrredón, José León Palliere, Eduardo Sívori, Rogelio Yrurtia, Pío Collivadino, Fernando Fader, Emilio Pettoruti, Xul Solar, Antonio Berni, Lino Spilimbergo, Raúl Soldi, Benito Quinquela Martín, Lucio Fontana, Carlos Alonso, Roberto Aizemberg, Carmelo Arden Quin, Raúl Lozza y Luis Tomasello, entre otros grandes artistas de estos dos siglos.

El recorrido de la exhibición sigue un orden cronológico, que permite apreciar la evolución de las artes plásticas en el país, desde la primera mitad del siglo XIX hasta el presente.

El que sigue es un resumen de las etapas que pueden verse a través de las valiosas obras:
Siglo XIX y primeras dos décadas del siglo XX: desde la pintura de usos y costumbres hasta los aportes de las vanguardias del siglo XIX, impresionismo y post-impresionismo.

Durante la primera etapa independiente se consolida el desarrollo de expresiones artísticas que no están vinculadas al arte religioso, el cual había sido la constante de la etapa colonial. Dos son los géneros predominantes en la mayor parte del siglo XIX: el retrato, ya sea individual o colectivo; y los usos y costumbres.

Mientras que el retrato presenta una continuidad con el modelo estamentario (según los estamentos) y patriarcal del mundo colonial, la pintura de usos y costumbres se inserta en el escenario romántico que registra escenas emblemáticas de la vida cotidiana urbana y rural de esta región, y que en muchos casos eran consumidas por el público europeo interesado en el “exotismo” de estas tierras del sur. En ese contexto desarrollan sus tareas los primeros artistas nacidos en el territorio patrio.

En la segunda mitad del siglo XIX, en el marco del proceso de construcción de las instituciones modernas de las denominadas bellas artes en el país, comienzan a establecerse los viajes de estudio hacia Europa y en ese contexto se incorporan al escenario local las corrientes artísticas académicas.

Hacia el fin del siglo XIX y comienzos del XX se incorporan los movimientos de vanguardias vinculados al impresionismo y post impresionismo.

Siglo XX: desde la llegada del denominado “arte nuevo”, en particular a partir del año 1924 con la emblemática muestra de Emilio Pettoruti, hasta el advenimiento del movimiento de arte concreto e invención en la década del ‘40.

Siglo XX: desde el advenimiento del arte concreto e invención hasta el presente, tomando como referencia importante el período de transformación de los soportes y dispositivos desarrollados en los años ‘60.

La muestra está organizada en amplias salas que, con la quietud y silenciosa paz que caracteriza a las exposiciones de arte, invita tanto a los especialistas como a los legos, a apreciar los magníficos talentos que la historia de los últimos 200 años vio nacer.

El dato

Origen de las colecciones

Las que se exponen forman parte de las colecciones del Complejo Museográfico Enrique Udaondo de Luján; del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti; del Museo y Archivo Históricos Dr. Arturo Jauretche del Banco de la Provincia de Buenos Aires; del Museo Arte y Memoria, dependiente de la Comisión Provincial de la Memoria; del Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano y del Museo Municipal de Bellas Artes de La Plata.

Fuente: Hoy

Se demora la inauguración del mural de Siqueiros

El mexicano Manuel Serrano (derecha) y el argentino Eduardo Guitima, dos de los restauradores del mural de Siqueiros pintado en 1933, posan frente a la obra. Foto: EFE

Se había anunciado para este mes

Recién se podrá ver en diciembre; comenzó ayer el traslado de la obra a la Aduana Taylor

Laura Casanovas
LA NACION

Ayer por la tarde comenzó el traslado del mural de David Alfaro Siqueiros Ejercicio plástico hacia el futuro museo de la Aduana Taylor. Pero el público no podrá verlo hasta fin de año, aunque inicialmente su inauguración estaba prevista en el marco de los festejos del Bicentenario.

La restauración del mural ya finalizó, pero no así la obra que convertirá a la vieja Aduana ?detrás de la Casa de Gobierno? en un museo que albergará la célebre obra del artista mexicano.

"Nos hubiera gustado poder terminarlo para este 25. No vamos a llegar", dijo ayer por la tarde la presidenta Cristina Fernández de Kirchner durante el acto de instalación de una parte del mural en el futuro museo.

La mandataria expresó que se espera que la inauguración del museo y del mural tenga lugar en diciembre, cuando se haga la Cumbre Iberoamericana, para que pueda asistir el presidente mexicano, Felipe Calderón. Asimismo, la Presidenta invitó a ver la película El mural ?que se estrenó ayer?, sobre la historia de la obra, que fue realizada por el director Héctor Olivera, a quien la Presidenta, durante su discurso, confundió varias veces con el fallecido Fernando Ayala.

Hasta ayer, las seis partes del mural se encontraban en el galpón especialmente levantado en la plaza Colón, detrás de la Casa Rosada, en el cual se llevó adelante la restauración, que comenzó en diciembre de 2008 y concluyó a fines del año pasado. El trabajo fue realizado por restauradores mexicanos y profesionales del taller Tarea de la Universidad Nacional de San Martín y de la Universidad Tecnológica Nacional. El costo de la restauración, de US$ 600.000, fue asumido entre varias empresas privadas.

La parte del mural que se trasladó al futuro museo de la Aduana es uno de los frentes de la obra, y se informó que el traslado de las cinco partes restantes culminará en octubre.

Un olvido de 17 años

El mural de Siqueiros es uno de los dos murales que el artista hizo en América latina. Lo realizó en el sótano de la quinta de Natalio Botana, fundador del diario Crítica, en 1933. Para su concreción, el artista mexicano tuvo como colaboradores a los argentinos Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino y el uruguayo Enrique Lázaro.

Luego de ser removida de su emplazamiento original, la obra estuvo dividida en partes y encerrada durante 17 años en varios contenedores, una situación que hizo temer por la supervivencia de la obra.

El próximo mes de diciembre no sólo es la fecha prevista para su inauguración, sino también el momento en que vencerá el acuerdo firmado entre el Gobierno y la empresa Dencanor, propietaria del mural, que cedió la obra para su restauración y exhibición durante el Bicentenario.

En octubre pasado, el Congreso Nacional aprobó la ley 26.537, que declaró de utilidad pública la obra plástica y sujeta a expropiación. Poco después, la empresa Dencanor, a través de su apoderada, Mirta Barruti, presentó una demanda de inconstitucionalidad contra la norma. "La demanda se encuentra en proceso. Los primeros días de junio vence el plazo para que el Estado conteste la demanda", informó Barruti a La Nacion.

Asimismo, Barruti recordó que lo que hace inviable la expropiación es que la obra de Siqueiros ya fue declarada de interés histórico artístico nacional. "Esa declaración brinda dos alternativas excluyentes entre sí. O se considera de utilidad pública para su posterior expropiación o se celebra un acuerdo con el propietario a los fines patrióticos que se resumen en su preservación y su permanencia en el país", señaló Barruti, en lo que constituye el argumento de la demanda.

Dencanor firmó un acuerdo primero con el ex secretario de Cultura Torcuato Di Tella y luego con el secretario general de la Presidencia, Oscar Parrilli, por el cual cedió el mural de manera gratuita y por dos años para su restauración y exhibición durante el Bicentenario. El convenio vencerá el 31 de diciembre próximo.

Sin embargo, el Gobierno continúa con el proceso de expropiación, que prevé una indemnización para el propietario, cuyo monto debe ser fijado por un tribunal de tasaciones. "Espero que este mes a más tardar tengamos la tasación del tribunal y podamos depositar el monto ante el juzgado", dijo Parrilli a La Nacion.

Con la colaboración de Mariano Obarrio

US$ 600 mil
Es el costo de la restauración

Un conjunto de empresas privadas aportó los fondos para el trabajo de restauración del mural

Fuente: La Nación

Un botín de 100 millones de euros / Son pinturas de Picasso, Leger, Braque, Matisse y Modigliani

La policia analiza los marcos de las pinturas robadas del museo

Una falla técnica y un descuido facilitaron un robo millonario

Una persona logró entrar en el Museo de Arte Moderno de París y llevarse cinco obras

Nathalie Kantt
Para LA NACION

PARIS. Desde hacía casi dos meses, la alarma volumétrica del Museo de Arte Moderno de París, aquella que se activa cuando los sensores detectan una intrusión en una sala, no funcionaba correctamente. La oportunidad estaba. Y a ello se sumó que, en la madrugada de ayer, ninguno de los tres agentes encargados de la seguridad nocturna del museo habría estado atento a lo que las cámaras de video, que sí funcionaban, mostraban en tiempo real.

Según el alcalde de esta ciudad, Bertrand Delanoë, estas fallas técnica y humana explicarían el exitoso robo de cinco obras de arte ocurrido ayer, por un valor estimado en poco menos de 100 millones de euros, según datos de la municipalidad. Una primera evaluación de fuentes judiciales había estimado el perjuicio en 500 millones de euros.

Aquí ya lo denominan el "robo récord", y el hecho reabrió la polémica por la seguridad en los museos franceses. Según los investigadores, las filmaciones mostrarían a un solo hombre que, vestido de negro, rompió un candado y se introdujo por una de las ventanas de este edificio de estilo art déco construido a fines de los años 60 e inaugurado en 1961.

Según las obras que se denunciaron como desaparecidas, y analizando los planos del museo que figuran en su página web, el ladrón se habría dirigido primero a la sala 1, donde eligió pinturas de las épocas fauvista y cubista, como L?olivier près de l?Estaque, de Georges Braque, y Le pigeon aux petits pois, de Pablo Picasso, una obra estimada en 22 millones de euros. De la misma sala se llevó La pastorale, de Henri Matisse, y Nature morte aux chandeliers, de Fernand Léger. Luego fue hasta la sala ocho en busca del retrato La femme à l?éventail, de Amedeo Modigliani. Cortó los lienzos con un cortante, abandonó los marcos y se fue. Las cinco pinturas son parte de la colección permanente del museo.

Para el crítico de arte Jean-Marie Baron, los cuadros fueron elegidos de manera profesional. "No fue una selección aleatoria. Estas cinco pinturas están entre las joyas de la colección del museo. Quizá no todos los cuadros son conocidos por los visitantes, pero son pinturas sumamente importantes en el mundo del arte", aseguró Baron a La Nacion.

Para este especialista, la reventa de estos cuadros será difícil a menos que se trate de un pedido de coleccionistas privados. "Estadísticamente los cuadros terminan volviendo al museo. Salvo que del otro lado del mundo, en China o en Kazakhstán, los estén esperando sin importar que hayan sido robados", dijo. Citado por el diario alemán Frankfurter Rundschau, el asegurador AXA confirmó que los cuadros no estaban asegurados.

Reformas incompletas

El Museo de Arte Moderno, que depende de la municipalidad de París, está situado en el distrito 16, al borde del Sena, cerca de la torre Eiffel. Reúne más de 8000 obras que ilustran las distintas corrientes artísticas del siglo XX. Separado por una gran explanada ?en donde decenas de skaters practican acrobacias?, comparte el edificio con el Palais de Tokio, donde se exponen mayormente instalaciones.

Los visitantes que ayer se acercaban al museo se encontraban con dos papeles, pegados a las apuradas sobre las inmensas puertas en bronce, en los que se leía: "Por razones técnicas, el museo estará hoy cerrado al público". Canales de televisión de todo el mundo filmaban la escena.

Detrás, en el costado del edificio que da al Sena, los investigadores estuvieron por la mañana tomando las huellas de los marcos abandonados. Por la tarde, algunos responsables del museo, con radiotransmisores colgados de los pantalones y acompañados por agentes de seguridad y perros, inspeccionaron la zona. Parecían definir cómo sería la vigilancia del lugar durante la noche.

En un comunicado de prensa, el alcalde confirmó que el museo había constatado una falla en el funcionamiento de la alarma volumétrica el 30 de marzo y que ese mismo día había alertado a la empresa que se ocupa de la seguridad, pero que el arreglo no se había completado todavía.

Paradójicamente, el Museo de Arte Moderno estuvo cerrado entre 2004 y 2006 para actualizar sus medidas de seguridad y mejorar, por ejemplo, su sistema de detección de intrusos. Una reforma por la que la ciudad de París invirtió 15 millones de euros.

MUSEOS INSEGUROS

  • El más robado. Picasso encabeza el ranking de los artistas más robados del mundo, con 693 obras sustraídas o desaparecidas. La lista, que actualiza todos los años la compañía Art Loss Register, sigue en orden con Miró (388 obras), Chagall (366), Dalí (300) y Durero (215).

  • En la década. Entre los robos más recientes a museos se cuentan las desapariciones de obras de Van Gogh en Amsterdam en 2002; de El grito y La Madonna, de Munch, en Oslo, en 2004 (recuperados en 2006) y de un Picasso del Centro Pompidou de París, en ese mismo año.

  • Más recientes. También desaparecieron obras de Picasso y de Portinari en San Pablo, en 2007, luego recuperadas; obras impresionistas del Museo de Zurich en 2008, y, en 2009, un cuaderno de 33 dibujos de Picasso, valuado en 3 millones de euros, del Museo Picasso de París.

Fuente: La Nación

Dos muestras en La Plata

Se inauguró la muestra “Bicentenario, arte argentino en la provincia”

Con dos exposiciones de arte, que desde ayer y hasta el 30 de junio se pueden visitar en La Plata, el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires comienza las celebraciones por el Bicentenario.

"Bicentenario. Arte argentino en la Provincia" se presenta en el Teatro Argentino y ofrece un panorama de casi 200 años de artes visuales en el país por medio de las obras de sus representantes más relevantes, como Prilidiano Pueyrredón, Eduardo Sívori, Fernando Fader, Emilio Pettoruti, Xul Solar, Antonio Berni, Lino Spilimbergo, Raúl Soldi y Benito Quinquela Martín, entre otros.

En el Museo Provincial de Bellas Artes, en tanto, se exhibe la muestra retrospectiva "Vuelo de cabotaje", del fotógrafo Marcos López. La propuesta incluye obras desde sus inicios en Gálvez, donde López pasó su infancia, y en Santa Fe hasta sus obras más recientes, incluída su caricaturesca mirada sobre el menemismo.

Fuente: La Nación